Escribir un no libro

Datos objetivos: estamos frente a un libro que no es un libro, al menos esa es la discusión no resuelta con el autor. Otro dato, 12 gramos de tinta negra dan cuenta de las palabras inscritas en las 500 hojas de este no libro (dos fotos lo certifican). Primera pregunta: ¿por qué esto no sería un libro? Y la segunda: ¿de qué trata este no libro? Toda esta retórica me permite introducir el último trabajo de Cristian Maturana para la Galería Camaralucida.

Mi principal argumento para nombrar este ejercicio como no libro es su resistencia a ser reconocido como objeto. El autor hace todo lo posible por tomar distancia con el canon libro. Al parecer no habrá copias seriadas, ni cajitas limitadas, tampoco nuevas ediciones, menos una web. Aquí no hay fetiche, sino más bien la experiencia de someterse a un lugar de manera transitoria, la posibilidad de involucrarse en un interior, un lugar al que se puede acceder y permanecer, sometidos a la levedad material del papel entintado y a las hojas emancipadas de su resma.

La primera página del no libro nos pregunta “¿Cuánto pesan las palabras de este libro?”. La pregunta por sí misma es la interpelación al ejercicio de la escritura, al valor de las palabras, donde el autor instala su escepticismo, incluso dudando de cualquier marca sobre una superficie (quizás más ad portas de un proceso constituyente). En tono de manifiesto, el autor declama y reclama la dificultad de llenar una hoja en blanco, el tedio de concluir esto. Nos pregunta, “pero, y si estas palabras llenan algo realmente, ¿quién reclama por ese vacío que desaparece al momento de escribirlas?”. A mi modo de ver, preguntas de otro tiempo que no tienen respuestas, no ahora, ya que la palabra está para sortear otras materias, unas mucho más concretas y racionales, mas no las de su propia existencia.

Carlos Silva Troncoso

Curador y Director Galería Camaralucida

Cristian Maturana nació en Antofagasta, pero Viña del Mar es el lugar donde ha pasado gran parte de su vida. Es esa ciudad se desempeña como docente de las carreras de Fotografía Profesional e Ilustración del Instituto Profesional Arcos. Además, realiza talleres en Balmaceda Arte Joven y es parte del equipo de profesores de la Escuela de Fotografía Camaralucida de Valparaíso.

El artista visual suma más de 40 exposiciones que ha presentado en distintas ciudades del país. Destacan sus obras “Cenotafio” exhibida en Santiago, Coquimbo y Copiapó; “Obrero” presentada en la Galería Metropolitana de la capital del país y la muestra colectiva “Fuera de Lugar” montada en el Museo Nacional de Bellas Artes.

La exposición “Escribir un no libro” estará hasta el 16 de junio en Galería Camaralucida ubicada en Almirante Montt 44, Valparaíso, a pasos de plaza Aníbal Pinto, y se puede visitar de martes a viernes de 15 a 18 horas cumpliendo con el aforo y las medidas sanitarias exigidas por la autoridad.

Conoce más sobre el trabajo artístico de Cristian Maturana en www.cristianmaturana.cl

“Jessica” de Carolina Agüero

¿Simulo? ¿Qué? ¿Quién? ¿Mi madre, una mujer, la mujer? O bien: la mujer ideal, la esencia, es decir el modelo y la copia han entablado una relación de correspondencia imposible y nada es pensable mientras se pretenda que uno de los términos sea una imagen del otro: que lo mismo sea lo que no es. Para que todo signifique hay que captar que me habita no la dualidad, sino una intensidad de simulación que constituye su propio fin, fuera de lo que imita: ¿qué se simula? La simulación.

Severo Sarduy

Podríamos aproximarnos a las imágenes distribuidas en la sala con nuestra convencional actitud de espectadores que aguardan (sobre todo en estos tiempos) satisfacer la necesidad de consumo artístico y espectáculo. La virtualidad es lo público y el espacio doméstico, el espacio de la transformación. Nos iluminamos, encuadramos fijando nuestro portátil a una altura precisa para que la distorsión del rostro no sea tan evidente, finalmente simulamos, somos temporalmente otrxs, nos construimos para el trabajo, para el ocio, para el registro de éste, para luego post producirlo y compartirlo en la virtualidad.

Jessica está en la antípoda de lo anterior, su simulación no es un deber ser, su transformación está mas cerca del universo Sarduyeano, es un pulso vital de ser ella, un goce como necesidad autónoma, donde habita la necesidad de experienciar la intensidad de un escenario, el contacto directo con un público sin mediación de la pantalla. Este proceso de transformación es un ritual íntimo, toma tiempo, involucra una relación con el lugar y los objetos. Estamos ante una atmósfera previa al escenario, un espacio sutil, donde la acción del registro fotográfico acarrea la complejidad de los formalismos, sortear o incorporar el asombro, los afectos, los clichés, el devenir en documento ascético, el estilo.

Veo a Carolina más cercana a la disimulación, atenta, paciente y aguda observadora de la metamorfosis, casi invisible, no interrumpe, es testigo privilegiada de este rito, trata de anticiparse. La ve al final del pasillo, el sillón es el escenario, luego en otra habitación ve una luz que entra por la ventana, le pide que se recueste, le dice que no mire el lente; ella agarra un cojín, se imagina una escena de película, o teleserie, de las cuales hay muchas, pero esta excede a todas, la luz levanta el collar y sus brillos mientras una de  sus  manos aprieta  firme el cojín azul  cobalto.

Mención especial para los objetos, son fundamentales en tanto construyen la ilusión, inmediatamente la desmantelan, algunos objetos se pueden encontrar en el mall chino, otros son manufacturados por Jessica, son hechizos, tienen un poder propio.  Veo algo de eso en estas imágenes devenidas en objetos por Carolina, tienen el poder de interpelar y encantar a otrxs.

Si lo que motivó esta búsqueda en Carolina fue aquella curiosidad que acarrea desde la infancia por lxs otrxs y la vida en el margen, lo que vemos trasciende completamente a esa voluntad inicial, nos instala ante la simulación y la doble copia como una verdad plena e irreductible.

Carlos Silva Troncoso

Curador

Carolina Agüero nace en 1986 en Puerto Montt. En 2008 se radica en Valparaíso para estudiar fotografía en el Instituto Profesional ARCOS de Viña del Mar. De 2009 a la fecha suma 10 exposiciones individuales y más de 20 colectivas. Destacan sus entrevistas en plataformas digitales de Chile, Brasil, Argentina, Estados Unidos (Nueva York y Arizona), Italia, España, Alemania y Francia. Fue nominada en 2019 al Programa de Talento Global 6×6 de World Press Photo.

La fotógrafa ha dictado clases y talleres en Balmaceda Arte Joven Valparaíso, establecimientos escolares, en el Parque Cultural de Valparaíso y en la Universidad de Valparaíso, entre otros lugares. También fue parte de la subasta Latin American Living Artists y pertenece a Foto Féminas, una red que promueve el trabajo de fotógrafas de Latinoamérica y El Caribe. Actualmente, es integrante de Culebra Colectiva y del Encuentro Fotográfico Femenino (EFFEM). Desde 2019 es representada por Judas Galería.

“Poster” de Nicholas Jackson

La ciudad está llena de imágenes, pero solo algunas están destinadas a la ruina. La exposición Poster trata de afiches, flyers y otras piezas gráficas que acompañan mis trayectos cotidianos, imágenes que proyectan retratos moribundos, fotografías de supuestos personajes públicos sobre un soporte que parece extemporáneo. Figuras de personas que no conozco, impresas sobre papel, dejadas a la intemperie, vulnerables desde su cuerpo hoy anticuado. A pesar de esto, me interesa mostrar que todavía albergan un halo particular, una postrer vida.

Nicholas Jackson

Soy artista y docente. He mostrado mi trabajo en Chile y el extranjero. Actualmente me desempeño como profesor en distintas universidades e institutos de Viña del Mar, Valparaíso y Santiago. Desde el 2015 he participado en distintas instancias de exhibición y difusión artística. Destaco el lanzamiento de mi primer libro de artista con el apoyo de Fondart, exposiciones colectivas e individuales en el Centro Cultural Palacio Moneda, Worm Gallery, BAJ Valparaiso, Sala CCU y la Galería Tajamar; también la edición de una zine junto a Editorial Amistad, la participación como artista residente en SACO6, mi primera exposición internacional gracias al apoyo de Mapa Art y la residencia en el taller de litografía Magma, patrocinado por Molten Capital. Este año publiqué un ensayo sobre la investigación artística en su contexto institucional y participe de varias instancias colaborativas relacionadas a la pedagogía en artes. Actualmente preparo un proyecto editorial y exposiciones para el 2020.

“Ver Desde Dentro”

Las alumnas Jocelyn Gómez Chodil y Paola Torres Burgos, estudiantes del Instituto ARCOS de Viña del Mar, materializan como parte de su formación académica una exposición personal que invita a “Ver Desde Dentro” a través del proceso curatorial del profesor a cargo, Nicholas Jackson, e invitadas por CamaraLucida, Escuela de Fotografía.
Jocelyn (Estudiante de Fotografía Profesional en titulación) presenta un conjunto de imágenes que evocan los estados de contemplación personales y atmosféricos, en medio de un momento que da poco espacio a la detención.
Mientras que Paola (Estudiante de Fotografía Técnica, mención Expresión Creativa) trabaja una pieza audiovisual que desde la pesquisa cotidiana íntima, y la atención rítmica en la edición de los planos, logra evocar las sensaciones personales de su día a día hogareño.

Desde ya se invita a toda la comunidad este viernes 6 de septiembre a las 19.00 hrs., en la sala CAMARALUCIDA (Almirante Montt 44, a pasos de Plaza Aníbal Pinto), en donde además Cerveceria Anfiteatro auspiciará el evento con una de sus variedades en cervezas artesanales.

“El Patio” de Joaquín Rodriguez

 

Ahora tu camino es fácil, después puede ser complicado y sin esperanza. Así es la Zona, a veces puede incluso parecer caprichosa. Pero es que nosotros mismos la hacemos, según nuestra propia condición.

Stalker – (el guía protagonista)

 

 

En “El Patio” de Joaquín habita una nueva tribu, sobrevivientes sin heridas, noveles y bellos salvajes. Los vemos cómodos entregados al paisaje, sin distancia sin limitación, por el contrario lo hacen suyo, desnudos al calor de la química, van de pesca, ven televisión, y se ven a ellos mismos.

 

El cine nos ha entregado un sinfín de historias del futuro, de los que sobreviven a un cataclismo o a un acontecimiento final, alguna pandemia, guerras por el agua, por el petróleo, envenenamientos masivos, incluso eventos desde fuera de este mundo. De todas elijo una, quizás la más dramáticamente bella: Stalker, o en su traducción, La Zona.

 

La narración transcurre en un territorio imposible, en parajes donde convive la huella de lo humano con la arremetida brutal de la naturaleza, donde un evento “extra terrestre” transforma esta geografía. Se le transfieren entonces condiciones sobrenaturales, se le reconoce como una especie de tierra prometida ante la posibilidad de alcanzar una felicidad plena. Éste es un lugar para pocos, completamente aislado y resguardado por el estado, al que sólo se puede llegar con un guía (Stalker), un iluminado capaz de sortear las inclemencias de este territorio vivo y hostil.

 

La imágenes, me sugieren la posibilidad de un remake, eso sí, lejos de Tarkovski, diría más cercano a Sofía Coppola. Este remake, distorsionaría la historia pues acá no habría guía (Stalker), ni viaje, ni profesor, ni escritor, nadie representativo del espíritu moderno, ni de la ciencia, ni del conocimiento. Por el contrario, el futuro está clausurado, acá los protagonistas son jóvenes que viven sólo su presente, una plenitud de ocio y goce luego del tortuoso recorrido de la vida misma en el territorio oficial.

 

Este remake chilensis contempla el poder vivir en la zona, (algo imposible en la original). Y de eso trataría, de la estrategia de fundar un lugar sagrado, donde nadie quiere estar.

 

 

Carlos Silva Troncoso

Curador

El trabajo de Rodolfo Muñoz plantea una búsqueda por el sentido material de la imagen y cómo ésta se vincula a contextos específicos.

En Galería Camaralucida, se presenta una exploración en torno a la re-significación de lugares de la región de Valparaíso, en acciones combinadas que tensionan arquitectura, cuerpo e imagen.

Rodolfo Muñoz, Master en Fotografía, Arte y Técnica, por la Universidad Politécnica de Valencia y Licenciado en Arte por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, se ha desempeñado como artista y curador en el último año. Como curador ha trabajado en LABi (Laboratori de pensament, creació y difusió de la imatge), Valencia – España. Sus trabajos se han expuesto en Fundación La Posta y en Centro Cultural Las Naves, ambos en Valencia – España. Sus últimos trabajos son TRAYECTO en Sala Emilfork del Instituto de Arte PUCV y la coordinación y co-curadoría de CCEAC (conversaciones en torno al arte contemporáneo en Valparaíso). Estas exposiciones se destacan por trabajar desde la acción de arte y la perfomance, siempre ligado al soporte fotográfico y su puesta en cuestión.

Capturar un objetivo visual y multiplicarlo en secuencias, es el resultado de la conceptualización gráfica del viaje al Valle del Elqui, una visión parcial y específica, de una imagen: distorsionada mediante la prismografía, deconstruida para su exhibición.

Cada deconstrucción prismográfica comienza con el objeto capturado y transcurre hacia la acentuación de la imagen observada a través del prisma, resaltando colores, formas y líneas claras del entorno abstraído.

Su tratamiento pasa por la división en graduaciones ordenadas de lo cercano (objetivo) a lo profundo (imagen prismatizada) para terminar recreando un nueva imagen.

El espectador diferenciará lo enfocado del resultado obtenido, y podrá apreciar el proceso en que deconstruyo lo que veo y conozco, para crear formas genuinas de abstracción, una nueva realidad elaborada con un lenguaje visual autónomo.

En “Cuerpo-grama” busco imprimir o grabar mi cuerpo sobre una emulsión de cianotipia. Este proyecto parte en Diaguitas, durante nuestro viaje, como escuela, y nace por una motivación genuina de querer dejar una huella, un trazo.

 

Me gustaba la sensación de estar inmersa en estos paisajes de naturaleza, sean cerros y árboles; mar y arena o cemento y cielo.  De trabajar con el cuerpo y finalmente estar ahí, quieta o no, contorsionándose, tensándose o relajándose. A ello fui sumándole elementos que se encontraban en el lugar y, así, generar una especie de diálogo entre los dos. Todo ello para hacer nacer, tras largos minutos de exposición al sol, un auto-retrato. Es casi como generar una radiografía, una imagen capaz de devolverme un reflejo o un espejo. Una imagen. La mía. Y entonces empiezan a hablar cosas que no tienen voz: el cuerpo y sus movimientos. Con esta experiencia en la naturaleza veo lo que aparece emulsionado. Se devuelven mis fantasmas, como lo hacen en los sueños o en las pesadillas, cuando algo nos habla con imágenes, es decir: con murmullos que vienen de lejos, como un grito sordo. Sin embargo, a pesar de lo que sale es luz, todo lo que vemos son mis sombras. Quizás todo esto no es más que una manera de ir trabajando la incomodidad; estancamientos, trancas o cosas atrofiadas, algo que va guardando el cuerpo en su memoria. Siento, al mirar esta imagen, esa sensación de pesadez y a la vez de liviandad en el mundo. De sentirse rinoceronte. Y al mismo tiempo: polvo.

Por Andrea Aguilera-Diplomado Fotografía Artística 2018

He escuchado a personas narrar como tuvieron una conexión con algún lugar determinado, cómo al pararse bajo una cascada se sintieron parte de la roca y del agua.

Diversas culturas plantean que la naturaleza está viva y, que por tanto, como seres vivos podemos interactuar y vincularnos con ella.

Creo que es verdad, pero requiere ver el mundo con otros ojos y poder observar, tocar y, principalmente, estar en una actitud de contemplación. Actitud que con el tiempo se aleja cada vez más de nuestros hábitos rutinarios.

Quise buscar esta conexión. Llevarla a una serie de fotografías que combinaran mi cuerpo con lugares del Valle de Elqui. El resultado fue lo esperado en aquel momento.

Retratos de una persona en -lo que podemos llamar- una naturaleza prístina.

Me sentí satisfecho y creí que mi tarea de vinculación había sido concretada con éxito. Pero con el tiempo, de vuelta en la ciudad, otra perspectiva se manifestó. Vi mi idea de entrar en lo natural para hacerme parte de ello.

Tiempo atrás, existía un bosque.

En un momento determinado una especie llamada Homo Sapiens removió la foresta alzando sobre sus restos una ciudad de concreto.

Soy un humano más.

Donde antes habían verdes árboles, ahora hay jardines y parques. Donde habían ríos, hoy hay piletas. Donde las noches fueron iluminadas por estrellas, hoy brillan luces y faroles.

Esto es conocido como efecto antrópico: la naturaleza incontrolable del humano de intervenir en lo que lo rodea.

Vi mi idea de entrar en lo natural para hacerme parte de ello, más me di cuenta que lo único que hice fue ser percibido como algo fuera de lugar, tal como mis antepasados lo han sido desde hace siglos.

Ahí mi naturaleza entró en juego e hice lo que nuestra especie sabe hacer mejor: tomar una fotografía que simplemente existía y volverla un producto intervenido, haciendo de los últimos vestigios de la naturaleza original de la imagen, algo artificial e influenciado.

Queremos hacer.

Hemos olvidado lo que es dejar que las cosas sean.

Por Diego León De La Barra-Diplomado Fotografía Artística 2018

“Tierra Flotante” de Stephanie Castonguay

Festival Tsonami Arte Sonoro 2018

 

Exhibición individual de la artista canadiense Stephanie Castonguay basada en circuitos electrónicos construidos a partir de procesos químicos similares a los utilizados en la fotografía, un trabajo efímero que cambia continuamente con el tiempo. El proyecto se planteó como un proceso a lo largo de todo el Festival Tsonami Arte Sonoro 2018, donde, mediante el uso de sal marina y otros químicos, se oxidara lentamente la plaza de cobre de los circuitos, transformando sus sonidos y generando cristales orgánicos.